Electronic Diary

Genre : Techno

Sortie : Avril 2013

Label: Fabric

Sandwell District, légende de la Dub techno, reste avant tout l'union parfaite de deux monstres sacrés de l'univers : Regis et Function. Depuis 2002, ces deux artistes sont devenus les étendards du renouveau de la scène. Ils signent aujourd'hui leur dernière sortie avec la compilation Fabric 69. Une dernière merveille, ultime prodige pour nos oreilles, déclaration d'amour émérite pour une musique électronique glorifiée par ses deux vétérans.

Une compilation mixée de chez Fabric est toujours un prétexte légitime pour évoquer l'essence de l'exercice. Un mix c'est avant tout une histoire, avec son amorce, ses rebondissements et sa chute finale. Un récit qui s'écrit au présent en tirant parti d’éléments passés. Une fable qui se dévoile lentement, progressivement pour nous laisser en apprécier les détails. Une œuvre d'art a besoin de temps pour se laisser apprécier à sa juste valeur. Et c'est en respectant toutes ces règles que Sandwell District nous en dévoilera l'ardeur.

En suivant à la lettre le protocole, Fabric 69 devient un périple romanesque pour l'auditeur qui n'en ressortira que grandi. 10 copieuses minutes de longues et sereines plages d'electronica conditionnent dans un premier temps l'assistance. Spectacle indispensable, pour vous préparer à la scène macabre qui s’abattra inexorablement. Les kicks résonnent, les basses grondent, le paysage prend forme. La violence s’abat enfin. Sandwell District est à l'apogée de son art. L'art n'est pas nécessairement de traduire la beauté, mais quand une violence obscure devient véhémente on ne peux qu’éprouver, ici, une certaine forme de fascination. Une fascination qui devient aliénation, et qui pousse à la contemplation. La psychose guette. Les paysages macabres de Fabric 69 s’enchaînent et se superposent. Nul doute à l'horizon le répit n'est pas pour tout de suite. Il faut encore du courage pour affronter la suite.

L'ardeur de la musique atteint son paroxysme, Sandwell district ne peut que continuer à nous émerveiller. Et pourtant, tout voyage aussi hypnotique soit-il a une fin. Sandwell districk pose une dernière merveille avec le Voiceprint de Function. Le mix ce finit, sans ombre à son tableau. Des flashbacks surviendrons surement pour nous rappeler la violence de ce périple. Peut être sommes nous déjà en manque...

Réussite totale donc pour nos deux compères qui en s'associant une nouvelle fois sous le projet Sandwell District nous montrent que la techno n'a rien perdu de son éclat. À écouter de préférence la nuit, avec un volume élevé, pour profiter de la violence des kicks.

Kartela

Kraftwerk est aujourd'hui un nom qui appartient à la légende. Un mythe musical à lui seul qui n'aura de cesse durant toute sa carrière d'établir les fondations d'une nouvelle vague musicale : la musique électronique. D'ailleurs, Derrick May expliquera bien des années plus tard que la techno est née tout simplement de la rencontre entre George Clinton et Kraftwerk dans un ascenseur. Établi à Krautrock, ce groupe allemand a été fondé dans les années 70 par deux étudiants en musicologie: Florian Schneider-Esleben et Ralf Hütter. La sortie en 1970 de leur cinquième album «Radio-Activity» leur assurera un succès mondial.

Si des personnages hardis font l'Histoire, c'est alors à des artistes réfractaires de faire l'histoire de la musique. Kraftwerk appartient clairement à ces groupes audacieux et déterminés qui ne se contentent pas de faire de la musique, mais de réinventer en permanence cette dernière avec une soif insatiable. Le génie de ces 4 musiciens allemands tient donc dans une logique simple: abandonner les instruments traditionnels pour construire une musique nouvelle à l'aide de machines. De ce protocole si particulier surgit une musique nouvelle, étonnante d’originalité et de grandeur. L'art synthétique moderne peut enfin prendre son envole !

De même que les livres d'Isaac Asimov, la musique de Kraftwerk nous invite à nous interroger sur le devenir de notre monde dans lequel la technologie prend une place prépondérante.

Sommes nous les victimes de notre propre appétence de modernité ?

A cette interrogation si légitime, la musique de ces génies nous révèle que non. Non, nous restons toujours souverain de notre propre existence. Et non nous continuons toujours à être les régents de nos inventions. Avec Kraftwerk, nous les consacrons même à des fins justes : traduire les maux de l'humanité par la musique. Ici d'ailleurs, l'esprit de cet art singulier est justement d'exprimer le propre de l'homme, la sensibilité, par un langage binaire aussi bien musical que technologique. Insuffler un vent de répétition, un souffle d'arpèges et une légère brise harmonique pour créer une envolé musicale à la fois rationnelle et mathématique, mais non moins émotive. Avec l'algèbre, La musique du groupe recherche l'universalité pour former un dialecte compréhensible par nos cultures disparates.

L'espace n'est plus qu'un terrain de jeu pour Florian Schneider-Esleben et Ralf Hütter se réclamant d'une Europe sans frontières, unifiée autour d'une société commune. Trans europe express peut maintenant être la figure de proue d'une nouvelle famille européenne apatride, hanté par les mémoire d'une guerre inqualifiable. Par conséquent, la musique kraftwerkienne transcende et fusionne cette région en manque de repère qui contemple désormais, honteuse, sa splendeur passée de l'autre coté de l'océan vers une Amérique hégémonique qui n'aura de cesse de l'humilier.

Les productions de ces quatre ingénieurs n'en restent pas moins sombres. L'influence des paysages urbains bavarois se fait ressentir. Ainsi, le panorama de ces villes homogènes conduit Kraftwerk a dessiner les contours d'une musique austère, résolument avant gardiste et répétitive. Pour traduire ce sinistre horizon citadin, ces germains ne tergiversent pas. Ils utilisent principalement la brutalité naturelle de la langue de Goethe. Cet emprise de la modernité métropolitaine se retrouvera d'ailleurs dans le caractère visuel du groupe, genèse d'un attrait naissant pour le charme urbain qui gagnera peu de temps après le «Street Art».

Kartela 

Date de sortie : Mars 2013

Genre : Neoclassique

Label : Denovali

Field Rotation est le projet du musicien allemand Christoph Berg depuis 2008. Cela fait aujourd'hui 5 ans déjà que l'artiste nous inonde de sa musique envoûtante portée par son esthétique si particulière. Il revient aujourd'hui avec son troisième album The Repetition Of History dans la continuité des précédents comme en témoigne son titre.

The Repetition Of History s'inscrit parfaitement dans un registre néoclassique fusionné entre l'influence classique d'un Aaron Copland contrasté par l’atmosphère moderne de la nouvelle vague. De cette union naît une nouvelle matière, essence de la musique de Christoph Berg. L'allemand excelle dans cette association entre l'ancien et le nouveau, entre l'usé et l'inusité. Il combine miraculeusement le style classique avec la lenteur caractéristique du drone. Apparaît alors une musique rare de singularité illustrant merveilleusement la mélancolie propre à la condition humaine de regarder atone le temps passer. Dans cette peinture musicale, tout est là, à sa place pour laisser votre âme vous abandonner à ce voyage dont vos sens seront l'objet étudié.

Tributaire, la musique vous hante, vous obsède pour enfin finir par vous dévorer par ces quelques notes sagement parsemées. Diabolique est la créature animée par Christoph Berg. Cette expédition sensorielle vous amènera à contempler ces contrées glaciales et immaculées que seule la musique peut vous laisser imaginer. Dans ce voyage au bout de la nuit, vous rencontrerez une dame avec laquelle, désabusé, vous engagerez la Valse Fatale sereinement orchestrée par la voix passionnée de Mari Solaris. C'est après cette initiation glacée et romantique que vous vous trouverez enfin apte à traverser la scène apocalyptique de Fatalist.

Maintenant que votre esprit est obsédé, vous devenez enrôlé à poursuivre cette fresque romanesque. La suite est inévitable. Votre âme hantée va s'enfoncer dans les ténèbres. Aliéné par les fracas assourdissants de ces violons tumultueux, vous ne pourrez que contempler froidement l'étendue de la scène macabre qui s'offre à vous. Devant la violence dantesque de ce tableau étrangé à tout entendement vous ne pourrez que constater votre propre passivité. Vous n'êtes plus qu'un esclave drogué à ces répétitions cycliques de cette musique sombre, de cet enfer mélancolique. 

L'indolence est absurde. Avouez le, votre raison est condamnée !

The Repetition Of History marque le retour triomphal de Field Rotation. Il nous livre ici, un album sans compromis et en dehors de toute convention. Dotée d'un romantisme rare et profond, la musique de Christoph Berg égayera vos nuits.

Kartela

Label: Mute

Date de sortie: février 2012

Genre: Classical/Letfield/Noise

Cet album est à l’image de son maître : insaisissable. Officiant à Berlin, Apparat est reconnu comme étant l’un des producteurs d’IDM les plus influents des les années 2000 grâce à des albums comme Multifunktionsebene, Tritial And Error ou encore Duplex, considérés comme des modèles du genre encore aujourd’hui. Co-fondateur du label Shitkatapult en compagnie de T.Raumschmiere, Sascha Ring s’est notamment associé avec Modeselektor pour créer le groupe Moderat (qui sortira d’ailleurs un album en août).

Mais sa carrière solo a changé progressivement de registre puisqu’il s’est désintéressé de l’IDM, et s’est tourné vers une musique plus pop notamment sur Walls, loin des expérimentations des albums précédents. Il abandonne presque définitivement le genre sur The Devils Walk, dans lequel il prête sa voix à de nombreuses reprises. Paradoxalement (ou pas) tandis que les fans de la première heure désapprouvent plus ou moins les nouveaux choix stylistiques de Sasha, sa popularité atteint des sommets après cette sortie. Au point d’être demandé par des artistes provenant de divers horizons dont Sebastian Hartmann, metteur en scène très connu en Allemagne, sans qui Krieg Und Frieden n’aurait jamais vu le jour.

Krieg und Frieden (« La Guerre et la Paix »), écrit par Leon Tolstoï est considéré par beaucoup comme un des classiques de la littérature. Publié durant la deuxième moitié du 19^e siècle, l’intrigue de cette œuvre de plus de 1500 pages se situe en Russie durant les conquêtes napoléoniennes. Repris notamment par Serge Prokofief qui en fit un opéra, c’est à Apparat que le flambeau fut tendu, puisqu’il accepta la proposition de composer quelques morceaux pour la pièce de théâtre mise en scène par Hartmann. L’ennui c’est que Hartmann ne proposa aucun script définitif dont Sasha peut s’inspirer. C’est lors d’un voyage en Thaïlande que le compositeur allemand dû alors lire ce titan de la littérature russe afin d’être prêt à jouer sur la scène durant les représentations du festival Ruhrfestspiele à Recklinghausen. Mais à cette époque, aucune sortie physique n’était prévue et Krieg und Friden semblait alors être un projet sans lendemain. C’était sans compter la volonté de Sascha d'enregistrer ces morceaux en compagnie de Phillip Timm, le violoncelliste du groupe et Chrisoph Hartmann le violoniste, donnant ainsi vie à cet album.

L’album démarre sur 44, douce pièce de chambre aux cordes fragiles, sèches et terriblement romantiques à l’opposé de ce que va être la « noise version » mais qui va pourtant agir comme son prolongement. Et là, quel claque mes chers amis ! Ce morceau à lui tout seul vaut le détour, et nous plonge dans l’incrédulité la plus totale. Les cordes s’estompent et ne deviennent plus qu’un écho lointain, littéralement perdues dans cet univers balloté par les éléments. Les bourrasques soniques nous arrachent à la terre ferme, et nous transportent par-delà le réel. Les couches de bruit se superposent, les saturations prennent forme et nuancent la désolation qui traverse tout le morceau. On croit apercevoir un champ de bataille d’un autre temps : des tas de cadavres jonchent le sol, inanimés, morts pour beaucoup d’entre eux, nourrissant la terre de leur sang. Pas âme qui vive, pas de mouvement, juste nous admirant ces corps décharnés, ces cadavres exquis. « Les mouches bourdonnaient sur ces ventres putrides, d'où sortaient de noirs bataillons de larves, qui coulaient comme un épais liquide le long de ces vivants haillons. » Ces vers de Baudelaire illustrent parfaitement la situation, mis à part le fait qu’il n’y ait pas de soleil étincelant à cet endroit. Ni de nuages d’ailleurs. Nous sommes comme baignés dans un halo de lumière dont la source est indiscernable, presque irréelle.

Que se passe-t-il ? Où sommes-nous ? Que signifie ce carnage ? Mais personne n’entend, et le voyage continue tandis que la mort a pris sa pièce.

Sur « Light On » intervient désormais la voix de Sasha. Peut-être aurons enfin des réponses à nos questions ? Mais sa voix profonde et intimiste en suscite finalement d’autres, plus troublantes encore. Entouré par quelques accords au synthé, par des bruits électroniques puis par une guitare malade bloquée sur la même corde, l’atmosphère est sinistre voire malsaine. Sascha a fait d’énorme progrès dans la spatialisation du son : ses bugs électroniques alimentés par des fields recordings improbables s’additionnent au chant de l’allemand pour former des ambiances indéchiffrables. Vient ensuite Tod qui est du même acabit que « 44 (Noise Version) » : nous revoilà sur le champ de bataille, mais avant que le carnage n’ait commencé toutefois. Les tambours rugissent, les soldats sont en rangs, parés pour un nouveau combat. Mais « Blanc Page » et son trombone onirique nous sauve de cette boucherie héroïque et nous ramène sur les terres russes, vierges de l’Homme. Nous voici seuls, très certainement dans la taïga, entourés par toutes sortes de bêtes. Vêtus tout de blanc, les sapins peinent à nous cacher de ces yeux féroces. Tout n’est que neige et glace. Les vibrations rugueuses sur PV ainsi que le trombone sont prêts à déchirer la glace, lors de la 2^e partie de ce morceaux. Et quand l’onirisme atteint son paroxysme, la glace est enfin brisée, les glaciers de l’Oural sont disloqués. La violence de la batterie et du trombone essayent alors maintenant de nous arracher les tripes.

Ils n’en auront cependant pas le temps, « K&F Thema (Pizzicato) » nous sauvant des griffes de ceux-ci. Mais cela ne veut pas dire que nous sommes épargnés pour autant. C'est notre cœur qui se voit touché devant cette poésie magistralement orchestrée entre des cordes et des pianos lipides. La transitions avec K&F Thema est douce, pleine de mélancolie et de regrets. Les rouages d’une horloge se mettent en branle, signe du temps qui passe, puis laissent place à un métallophone simple, il est vrai, mais qui, lorsqu’il est rejoint par les cordes, est très efficace. Apparat ne ménage pas l’auditeur en l'emmenant là ou il ne s'y attend pas. La fin abrupte de ce morceau, alors qu'on imaginait une fin douce et limpide, en est le plus fidèle exemple. C'est ainsi que les faibles battements de percussions viennent interrompre brutalement notre voyage dans ces plaines immaculées.

C’est à « Austerlitz », lieu marque le l’apogée de l’ère napoléonienne, que va se jouer le dénouement de la bataille. Des nappes industrielles font leurs apparitions, alors que les machines à vapeurs sont encore à leurs balbutiements. Faut-il voir là un prélude à la révolution industrielle qui va se produire durant ce 19^e siècle ?

Qu'importe. Les cordes et le piano sont toujours aussi imparables et dotés d’un lyrisme pur. La batterie semble à ce moment clore le spectacle et donner une fin à cette épopée mais « A Violent Sky » nous rappelle qu’une histoire n’a jamais vraiment de fin et qu'il y aura toujours quelqu’un pour poursuivre ce que nous avions commencé. La voix d’Apparat intervient une dernière fois, les pianos lancent leurs dernières notes, les loups hurlent à la mort encore une fois. Jusqu’à ce quelqu’un se décide de reprendre le tracé pris par l’allemand et ainsi d'apporter sa pierre à l’édifice dont la construction a débuté il y a 150 ans de cela grâce à Tolstoï. Mais en attendant....

Sascha Ring nous livre ici un album stratosphérique presqu’au-delà de nos espérances. En choisissant de composer pour une pièce de  théâtre, il a dû s’adapter à la voie néoclassique indispensable pour rendre justice à Tolstoï. Ses productions lors de l’enregistrement au studio ont alors muées et se sont dotées d’ailes pour voler. Ces petits détails électroniques insignifiants, ces gimmicks lointains aux premiers abords sont l’essence même de la beauté de cet album. Pari gagnant pour un artiste qui aura prouvé encore une fois d’un savoir-faire hors norme alors qu’il n’a que 34 ans. Krieg und Frieden n’est pas l’odyssée du Comte Piotr Bézoukhov, mais la vôtre. Lorsque vous aurez compris cela vous ne pourrez plus vous passer de cet album. A bon entendeur.

Chronique initialement publié sur Seeksicksound

Raphaël Lenoir

Label: n5MD

Date de Sortie: Novembre 2012

Genre: Abstract / Ambiant

Avec 7 longs formats parus en 2011 et 5 en 2012, le moins que l’on puisse dire est que Broke Van Wey, a.k.a Bvdub est un artiste plutôt prolifique. Pourquoi avoir choisi dans ce cas de chroniquer All is Forgiven, sorti en novembre ? Sans doute parce qu’il marque un certain virage dans la carrière de l’artiste, tout simplement. Sortie sur n5MD, cette dernière release, en attendant encore 2 autres albums qui paraîtront courant janvier et qui viendront rejoindre sa discographie pléthorique, est marquée par des glitchs plus syncopés et plus affirmés à la limite du dub et de l’abstract. On sentait déjà les prémices de ce changement de style sur ces précédents albums, Don’t Say You Know ou Serenity. Grand adepte des nappes ambiantes, l’américain fait désormais appel à des rythmiques plus agressives mais paradoxalement tout aussi légères. Une tendance qui s’affirme avec la venue de A Careful Ecstasy sur Darla Records, dans lequel les rythmes sont encore plus prononcés. Affaire à suivre pour un artiste de grand talent.

La longueur des titres n’a cependant subi aucune modification lors de la réalisation de cet album par rapport aux dernières sorties, puisque ce disque est composé de 3 titres de 20 à 30 minutes chacun. Ces durées anormalement longues sont pourtant habituelles chez Bvdub, chaque titre étant une épopée qui peut s’écouter indépendamment des autres. La production est ici entièrement numérique malgré l’utilisation soutenue de pianos et d’instruments à cordes. Les voix sont aussi très présentes dans cette œuvre. Elles sont d’ailleurs principalement féminines, et bien qu’elles soient traitées en tant qu’échantillons et qu’elles n’occupent pas une place prépondérante, leurs échos éthérés rendus méconnaissables et pourtant identifiables entre mille ont un impact particulier lors de l’écoute.

Eblouissant, voilà le 1er adjectif qui vient à l’esprit à l’écoute de San Franciscain. Les nappes ambiantes lumineuses donnent le ton de la musique, c’est un véritable ballet qui se déroule dans nos conduits auditifs, là où les différentes strates apparaissent, s’accouplent puis disparaissent en un murmure. Ce phénomène, quand on y prête oreille, est loin d’être anarchique. Il est même extraordinairement bien structuré. Les rythmiques se mettent en place progressivement sur plusieurs minutes, et donnent à la production des reliefs sur lesquels l’auditeur peut grimper et ainsi admirer. On comprend enfin pourquoi le long format sied si bien à Broke : la boucle est ici la seule reine, et se répète inlassablement, jusqu’à l’oubli. Les secondes se transforment et la montre n’a plus d’emprise sur nous. All is Forgiven touche au paradoxe de Zénon : en une seconde il parvient à créer une infinité d’instants, neutralisant par ce fait même le temps. Faire passer le temps : telle n’est pas la vocation de cet album. Son but va bien au-delà. Ne serait-ce d’ailleurs pas la fonction première de la musique ? Celle de nous faire croire qu’elle a vaincu le temps pour nous, alors même que cette joute inexorable que nous menons contre la Nature et ses aiguilles qui tournent aboutit inéluctablement à la défaite ?

Cet album marque comme un goût de fin et de renouveau chez Bvdub, une telle maîtrise des rythmes et des atmosphères est chose peu commune ; les échos célestes ont tôt fait de nous subjuguer. Ainsi donc s’achève notre périple, le splendide halo de lumière s’estompant, nous redéposant impitoyablement parmi le commun des mortels.

Chronique initialement publiée sur Seeksicksound

Raphaël Lenoir