Electronic Diary

Label: Denovali

Date de sortie: Décembre 2012

Genre: Orchestral / Néoclassical

Aïe, encore une fois Denovali frappe très fort en cette fin d’année, grâce à la très bonne sortie de Poppy Ackroyd intitulé Escapement, mais surtout grâce à ce double album de The Alvaret Ensemble. Sous ce patronyme fumant et mystérieux à souhait se cachent des chirurgiens du son bien connu : Greg Haines tout d’abord ayant sorti au cours de l’année un bien bel album nommé Digressions et qui ,bien sûr, pour cette occasion s’est mis au piano ; Jan Kleefstra que l’on voit souvent avec un autre membre de sa famille, Romke ayant eux aussi leur quota d’albums de qualités ; le premier s’occupera des poèmes tandis que le second s’occupera de la guitare. Sytze Pruiksma, lui, est moins connu mais s’était déjà une fois allié à Romke et Jan pour créer un album de toute beauté : Deislieper (sorti sous Hibernate). Mais avec ce quatuor de base, s’ajoute Iden Rheinhart ( Strië pour les intimes), violoniste qui avait d’ailleur joué avec Greg pour Digressions ; Peter Broderick , ici violoniste, auteur de pas mal d’albums en compagnie de ce cher Nils Frahm qui lui va s’occuper de la partie vitale de l'oeuvre: le mastering. Il faut encore souligner la présence d’Hilary Jeffery membre du Killimandjaro Darkjazz Ensemble qui s’occupera du trombone. Avec tous ces artistes de 1^er choix réunis ensemble pendant 3 nuits dans l'église Grunewaldkirche à Berlin ne pouvaient assurément donner qu’une œuvre de qualité.

Amen.

Byd ou comment sombrer déjà dans les ténèbres abyssales de la musique de The Alvaret Ensemble. Une nuit opaque où un voile mystérieux se soulève, la mélodie presque arrêtée du piano, les plaintes du trombone ainsi que la voix doucereuse et sombre à la fois de Jan nous emmène dans de vastes espaces encore inexplorés. Une ambiance très intimiste et très religieuse se répand, les échos de l’église ont un profond sens dans ces élucubrations soniques. Une introspection de l’âme, voilà comment définir cette musique viscérale et envoutante. Une chose, peut-être anodine à la base mais vitale par la suite, me frappe : je m’aperçois que les musiciens ne sont pas maîtres de leur instrument, ce sont les instruments qui dirigent les muscles de leur corps. La musique pour trouver une certaine forme de transcendance doit être jouée ainsi : l’instrument doit être l’homme et non pas l’inverse. Sur Eac, sublime mouvement du piano, rejoins ensuite par les tintements et les frottements légers des percussions puis par les violons et les instruments à vent, on se surprend à planer tant la musique semble légère. Nous y sommes, à la Grunewaldkirsche, là où durant la nuit d’étranges phénomènes se produisent; là où la musique semble prendre vie. Une ambiance surnaturelle s’en échappe…  Chaque morceau sont comme des petites odysées (beaucoup de morceaux dépassent 10 minutes) et chaque fresque raconte son histoire propre en faisant elle-même écho à un autre morceau. De leurs enregistrements, les artistes en ont fait un double album où la 2^e partie tout en étant la continuité de la 1ere en diffère quelque peu. Les ambiances sont encore plus fuligineuses, il n’y a plus de mélodies, des notes éparses nous guident alors sur un sentier où toute lumière a disparu. Comme beaucoup de travaux néo-classiques, le silence est d’or : il est sensé nous accompagner dans notre déambulation vers l’inconnu et surtout dans la solitude. Les percussions ne tintent plus, de lourds battements les remplacent, les textes de Jan bien qu’au-delà de notre compréhension ont une certaine résonnance en nous, leur certaine poésie complète celle des instruments. Les sons ont pris le pas sur les accords et cela jusqu’à la toute fin.

Encore un sublime album que vient de sortir Denovali, une collaboration qui laissait espérer beaucoup et qui s’est concrétisée en une musique vivante, surgissant de l’obscurité en avançant imperceptiblement.  Un album à écouter de nuit, mais surtout, seul. Un regard sur le ciel étoilé, une question reste alors en suspens : Venons-nous de trouver la mort ?

Denovali

Raphaël Lenoir

Genre : Techno

Label : Clone Jack record

Sortie : décembre 2012

«Une forme hybride entre le slam et la musique électronique» voilà comment legowelt définit ça musique. Ce musicien Néerlandais a fait les grandes heures du label «bunker records» grâce à ça techno mélodique. Durant les cinq dernières années Legowelt a fait des tournées aux quatre coins du monde, il publie aujourd'hui son dernier album "The Paranormal Soul" sur Clone Jack Record un label de «Chicago House» comportant des artistes comme Levon Vincent, ou Dario Zenker.

«Si on ne se réinvente pas, on risque peut être de mourir» disait Laurent Garnier récemment, là où legowelt est très fort c'est qu'il arrive à rendre hommage a cette ancienne musique électronique symbolisée et conceptualisée aujourd'hui par detroit et chicago tout en là réinventant et en la recontextualisant. A la deep house Legowelt lui apporte son énergie, à la house Legowelt lui apporte sa mélancolie et à la techno Legowelt lui apporte ses mélodies acides si caractérielles. Le néerlandais va à l'encontre des spécificités minimales et «berlinoise» de la techno actuelle en refusant tout compromis minimaliste dans sa musique. La rondeur des basses et la chaleur des nappes vous rappelleront les vieilles machines ancestrales comme la roland TB-303 ou un bon vieux juno ici exploités à leur paroxysme. Au fur et à mesure que l'album progresse des petits éclats de voix font leur apparition pour illustrer la profondeur du champs sonore.

Encore une fois la musique parle d'elle même et mes parole ne sauront aussi bien vous là décrire, écoutez donc la rudesse de «Sketches from another century» ou encore «Transformation of the universe» vous serez charmé.

Peut on parler d'un album techno universel ici ?! The Paranormal Soul marquera t'il un retour du son «detroit» tant annoncé et attendu ces dernières années ? Une chose est sure c'est que cette album ravira les fans de techno vintage et moderne. Je le vois déjà bien dans les playlist de Laurent Garnier, Derrick May et Madben moi !

Kartela

Sortie : 03/12/2012

Label : Rush Hour

Genre : Deep House

« Je vous parle d'un temps que les moins de 20 ans ne peuvent pas connaître... ». Ces paroles de la chanson de Charles Aznavour n'ont jamais été aussi bien adaptées au disque que l'on va chroniquer ici. En effet, nous touchons là aux premiers balbutiements de la deep-house...Si beaucoup de monde a déjà entendu parler de Larry Heard et Kerri Chandler, intronisés « inventeurs » du mouvement. peu de gens ont finalement eu l'occasion d'écouter des productions Nu Groove, petit label New Yorkais extrêmement prolifique (près d'une centaine de maxis en quatre ans) mais aussi extrêmement éphémère...disparaissant au moment où le monde entier découvrait et encensait la house américaine.

Le plus intéressant dans l'histoire de Nu Groove, en dehors de la qualité de nombre de ses sorties, c'est qu'il fut le tremplin d'un sacré paquet de futures stars New Yorkaises : Kenny Dope (futur Masters at Work), Joey Beltram (auteur de l'inoubliable et cultissime Energy Flash), Frankie Bones et même le hardcoreux Lenny Dee sont tous passés par la maison, produisant un ouplusieurs maxis de cette « deep ghetto house » caractéristiques du New York de la fin des années 80.

C'est donc un précieux cadeau que nous fait Rush Hour en publiant ce best-of des Burell Brothers . Les deux frangins, respectivement prénommés Ronald et Reginald et originellement chanteurs de RnB se sont mis à la house après l’échec de leur premier album. Sous leurs nombreux pseudos (Metro, N.Y House n' Authority, Tech Trax inc, etc, etc...) ils finiront par produire plus de la moitié du catalogue du label ! Ce qui nous frappe à la première écoute de cette compilation, c'est que les codes de la deephouse ont finalement très peu évolués, s'inscrivant dans une forme d'intemporalité : tempo lent la plupart du temps, rythme travaillé, mélancolie palpable et « blackness attitude » assumée. Certes la production a vieilli : la qualité reflète le manque de moyens et les home studios rudimentaires de l'époque, les morceaux sont très courts et ressemblent parfois plus à des démos nachevées qu'à des clubs anthems, mais le charme opère toujours. Que ce soit le très lounge « Brownstone Express » qui ouvre l'album, le minimalisme rêche de « Apt 2a », en passant par le sombre « The Answer (X² RB Mix) » le très atmosphérique et contemporain « I'll Say A Prayer 4 You » avec ses nappes caractéristiques et « Disco-Tech (Studio 54 Mix) », track parsemé de vocalises gospel qui nous renvoient aux racines RnB des artistes, c'est un album plutôt varié qui s'offre à nous, très agréable à écouter avec un petit parfum désuet loin d'être déplaisant car nesombrant pas dans le kitch.

Soyons francs, de mon propre point de vue la possession de cet album est indispensable pour tous ceux qui veulent élargir leur culture musicale et connaître l'histoire de « notre » musique. Et malgré ce que certains esprits chagrins peuvent en dire, ces rééditions numériques de disques souvent très rares ne peuvent que contribuer à la sauvegarde du patrimoine culturel del'humanité. Une des sorties les plus intéressantes de l'année. Bravo Rush Hour !

http://www.beatport.com/release/the-nu-groove-years-1988-1992/875940

Laurent S 

Genre : Techno

Label : Tresor

Date de sortie: octobre 2012

Terrence Dixon fait parti de ces DJ qui ont marqué l'histoire de la musique électronique. Fort de ces 18 ans de carrière cet artiste de détroit est aujourd'hui un mythe à part entière dans la techno. Il signe son nouvel album sur le très renommé label allemand Tresor dirigé par Dimitri Hegemann.

Après l'écoute minutieuse de cet album j'aurais tendance à dire qu'elle marque le paroxysme de l’œuvre de l'américain et peut être même l'avènement de sa légende. Cet album a incontestablement une force émotionnelle implacable, et terriblement séductrice. Oh non, je ne mâche pas mes mots, croyez le. Ce qui ma frappé dans un premier temps c'est la structure des tracks de cette œuvre. Les éléments se suivent, s’enchaînent, dans une construction extrêmement progressive hypnotique, ici même la puissance des kicks est ascendante ce qui donne l’impression qu'il se passe tout le temps quelque chose. L’atmosphère de «From The Far Future» s'inscrit parfaitement dans le catalogue du label germanique et ravira les fans de techno caverneuse et aérienne. L'album contient des pistes plutôt dancefloor et d'autres peut être plus personnelles plus cinématographique, un brin plus émotives à l'image des merveilleux titres MY JOURNEY HERE ou bien encore THE STUDY. Un morceau en particulier «The Switch» se distingue des autres par son climat plus deep et un caractère plus «happy» paradoxalement il s'intègre pleinement dans la continuité et l'homogénéité de l'ensemble.

Un album techno et plus encore ! Le nouveau Terrence Dixon est une arme pour les DJ et une bénédiction pour les fans de musique électronique. Au delà des clivages l'artiste met tout le monde d'accord, rassemble autour d'une techno sombre, inquiétante et courageusement moderne.

En préambule, je devrais tout d’abord vous signaler que je vis actuellement sur Metz et évolue dans une classe préparatoire. Pour les sorties en semaine on va dire que ce loin d’être gagné. Pourtant j’ai eu la surprise (immense, faut–il encore le souligner) d’être allé voir un pianiste que je ne connaissais a priori ni d’Adam ni d’Eve (c’est d’ailleurs bien dommage) avec une partie de ma classe et mon professeur de français, organisateur de la sortie. Je reconnais mes torts, aussi, j’aurais dû m’informer auparavant de ce fameux pianiste, mais j’entrai tel un naïf insolent dans l’Arsenal, remarquable salle de concert grâce à une acoustique finement travaillé. Mais ça aussi je ne le savais pas avant d’entrer. Je m’introduis donc dans le complexe avec un a priori plutôt négatif (quelle erreur !) car à ce moment-là je m’imagine encore un concert de musique classique  et peut-être banal. Je ne connaissais alors seulement les compositeurs qui seraient joué c’est-à dire Bach et Cage sur lesquels je ne connais encore aujourd’hui que peu de choses.

Jean Sébastien Bach n’est, j’espère, plus à présenter, l’Allemand le plus célèbre après Goethe (peut-être) est encore à ce jour le 2^e musicien le plus joué sur la planète (le 1^er ne devrait pas être trop difficile à trouver) et est le symbole même de la musique baroque du 18e. Ce compositeur prolifique est le maître de la structure musicale à travers le contrepoint ainsi que de l’architecture en plusieurs voies.

Tandis que quelques siècles plus tard, naquit le californien John Cage, un des plus fervents défenseurs de la musique contemporaine. Il cumule les centre d’intérêt, tantôt philosophe, musicien engagé et compositeur émérite, il n’a de cesse de pousser encore plus loin les champs d’expérimentations et les domaines de réflexions notamment la frontière entre la musique et les autres arts, le statut de la musique dans la société moderne, la frontière entre le bruit et la musique, le naturel et l’artificiel.

Baccage ou Bachcage voilà le titre du spectacle joué par Francesco Tristano. Pour la biographie il suffit d’aller voir son site ou bien Wikipedia. Notons cependant qu’il est passé par la Julliard School qui a vu passé dans ses rangs ni plus ni moins que Miles Davis, Thelonious Monk, Philip Glass…

Tristano est un artiste précoce, il a à peine trente ans et en paraît 10 de moins alors qu’il compte déjà 5 albums au compteur ainsi que des maxi qui reprennent plus ou moins ses œuvres à lui ou encore celles de ses illustres pairs. Ce qui nous intéresse dans ce blog, c’est-à-dire le côté électronique, provient du fait que le luxembourgeois est un adepte de la scène ambiante, voire techno à travers ces diverses associations avec Murcof, Carl Craig, ou Moritz Von Oswald. Du beau monde donc, mais mon degré d’ignorance est tel que cette sortie révèle alors de la pure et simple formalité dans le but de s’ouvrir à un « nouveau monde » qu’est la musique classique et contemporaine.  

Lorsqu’on pénètre dans l’antre de l’Arsenal, la bonne surprise est que Francesco n’a pas oublié son matériel (c’eut été un comble pour dire vrai) puisque divers enceintes de taille imposante cernent l’auditeur de part et d’autre de la scène. Le piano est au centre et (o joie !) un synthétiseur couplée au piano via divers câbles et relié à un pc se situant sur le piano. Point de partition, Francesco fait son apparition dans le silence général d’un public déjà réceptif.

Je sens déjà que je vais aimer ce francophone, car le début révèle plus du drône électronique que de la musique classique au sens stricte : il se met à jouer une note puis un accord ronronnant au synthé, le son est modulé puis amplifié dans les enceintes. Voilà donc une très bonne entrée en matière avec une mise en orbite progressive accompagné d’effets pour le moins surprenant puisque Francesco se met à travailler directement sur les cordes-mêmes du piano, en les pinçant il arrive à produire des sons étoffés doté d’un écho hallucinant, un peu à la manière de Cage justement. Le travail numérique est par conséquent totalement présent dans cette première intro d’une dizaine de minutes me semble-t-il bien que cela ait pu durer une heure ou quelques secondes. 

Vient ensuite la partie Bach, celle sans doute la plus convenue mais pas forcément la moins intéressante car Francesco cherche à dissimuler les écarts entre Cage et l’Allemand et sublime donc les morceaux avec un traitement électronique léger apportant une certaine candeur aux menuets et autres… L’aura que dégage ce pianiste est captivante voir troublante, il a le don de rendre sa musique vivante, comme si elle virevoltait tout autour de nous avec espièglerie. La construction « architecturale » typique de Bach prend une toute autre mesure lorsqu’un virtuose le joue soyez en certain. Voir le luxembourgeois jouer devant nous et pour nous crée une sensation intimité entre lui et le public qui ne m’avait alors jamais autant frappé.  

Enfin, la révélation. 15 min intense et de pures folies. Sur l’un des derniers morceaux de Cage, Tristano  se met à frapper sur le cordes à créer des distorsions et de multiples effets via le synthé et l’ordinateur, de l’improvisation pure, novatrice, maîtrisé, et avec encore ce brin de folie. Les percussions se mettent en place, le show électro-acoustique clame premièrement se transforme progressivement en un morceau tumultueux et grandiose où les lignes de basses et de glitchs s’ajoutent au fur et à mesure et contrebalancent les accords de plus en plus effrénés au piano. On se met à frissonner, à délirer tout simplement. Une fièvre nous envahit, le luxembourgeois lui aussi et se lève sur les derniers accords, accentuant sa présence scénique et donne du « corps » à ce concert tout simplement grandiose.

Je ne peux pas vous dire quoi que ce soit d’autre à part vous conseiller d’écouter Francesco Tristano au moins une fois ou allez tout simplement le voir, vous ne serez pas déçu du voyage si vous ayez, un tant soit peu, ouvert votre esprit à de nouveaux horizon. Et c’est alors là que se fera la révélation…

Raphaël Lenoir

La vidéo date un peu mais je ne m'en lasse vraiment pas, j'éspère qu'il en sera de même pour vous: